viernes, 20 de enero de 2017

Nijinsky.


Película recomendada en la asignatura de cultura del diseño y que decidí ver ya que me pareció interesante cuando se planteó en clase,  al verla en ingles hubo muchos aspectos de la película que no conseguí entender muy bien, pero los temas a tratar me parecieron muy interesantes, habla de la danza, el arte y la homosexualidad. 

En la película el legendario bailarín ruso Nijinsky, centrada especialmente en la relación que le unía con el empresario del ballet soviético Diaghilev.

Selección musical a base de Debussy, Rimsky Korsakoff, Stravinsky, Schuman, Weber.

La película basada en los diarios de Vaslav Nijinsky (George de la Peña), quien, entre 1909 y 1917, fue primer bailarín del legendario ballet ruso Diaghilev. Primero como bailarín y luego como coreógrafo, Nijinsky escandalizó a un público demasiado acostumbrado a los convencionalismos del siglo XIX, con su interpretación de obras como “El espectro de la rosa” (Fokine), “Scheherezade” (Rimsky-Korsakov), “Petrushka” (Stravinski), “La siesta de un fauno” (Debussy), o “La consagración de la primavera” (Stravinski). En todas ellas dejó su provocadora e innovadora huella. Entre 1912 y 1913, vivió un conflictivo triángulo amoroso que repercutió de manera trágica tanto en su vida profesional como personal. Mantuvo una larga relación laboral y amorosa con Diaghilev (Alan Bates), el posesivo y celoso director del Ballet Ruso; pero, cuando se enamoró de Romola de Pulsky (Leslie Browne), dejó a Diaghilev para casarse con ella. Éste, despechado, hizo uso de toda su influencia para perjudicarlo. Nijinsky fue un genio que revolucionó el arte de la danza, sentando en gran medida las bases del ballet contemporáneo.


Trailer:



Estilo y decoración en “Los Juegos del Hambre”




Hace pocos días estuve viendo la película “Los Juegos del Hambre” y me llamo mucho la atención todo el diseño de interior como el diseño de moda que se utilizaba en la película por eso quiero hablar e investigar sobre este tema. El equipo de diseño y dirección de arte logran plasmar la visión cuasi post-apocalíptica del Capitolio, la ciudad donde se desarrollan los juegos. El resultado fue digno de la larga espera: una estética futurista que logra mezclar exquisitamente elementos del art-deco, minimalismo y post-guerra en un espacio deliciosamente ambientado con elementos de diseño que puedes conseguir en el mercado.





Al comienzo de la película, la estética perteneciente al Distrito 12, donde comienza la historia, es una amalgama de diferentes estilos entre los que predomina la estética post-guerra que se trasluce en los decorados, colores y atuendos primaverales con un estilo más bien country. En el tren donde trasladan a los protagonistas al Capitolio, podemos observar una decoración ecléctica-clásica, en la que destacan accesorios como la lámpara y mobiliario propios del Art-decó: terciopelo, azul, metal y cristal.




En el Capitolio se hace presente una estética futurista llena de detalles y colores ácidos y fríos, que transmiten una sensación de vivacidad y frialdad, alternativamente. La decoración minimalista con piezas de diseño coloridas se roba el protagonismo. Prueba de ello son las sillas Seatbelt de Phillips Collection, que están disponibles en el mercado. Otra pieza de mobiliario de vanguardia presente en el decorado de la película y que otorga un sentido de comodidad, lujo y atención al detalle son las sillas Sayls, diseñadas por Herman Miller.





Hay muchísimos detalles que saltarán a tu vista apenas veas la película, que en palabras del diseñador de la película, te dejarán la sensación de un futuro posible en términos de diseño y decoración:  ”es como si tomaras los estilos de mediados de siglo, la Depresión norteamericana y repentinamente los sumergieras en un futuro distante, con giros de alta tecnología. Este libro crea un universo alternativo”





Los diseños de Etxeberría para 'Los juegos del hambre'




El guipuzcoano sigue en racha y se cuela en la superproducción del año.

Del diseño del vestuario se dedicó el conocido diseñador Etxeberría. Os dejo algunas de los diseños que hizo para la película y un enlace de una entrevista para la revista Vogue donde habla del tema. 











jueves, 19 de enero de 2017

Joan Fontcuberta




En una de mis entradas anteriores en las que hablo sobre el fotógrafo Eugenio Recuenco y después de hablar sobre él en clase ese estilo nos recordó al de Joan Fontcuberta, aquí os dejo algunas de sus obras y su forma de trabajo.

ES un artista, docente, ensayista, crítico y promotor de arte español especializado en fotografía, premio David Octavious Hill por la Fotografisches Akademie GDL de Alemania en 1988.

Licenciado en Ciencias de la Información, Fontcuberta es profesor de Estudios de Comunicación Audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona y en la Universidad de Harvard de Cambridge. 
La obra de Joan Fontcuberta se inscribe en una línea crítica de la concepción de la fotografía como evidencia de lo real. Muchos de sus trabajos versan sobre el “poner en duda” la verdad que se le otorga a las imágenes fotográficas. Se posiciona en una línea de cuestionamiento y duda hacia la veracidad de la imagen fotográfica.

No solo sus obras fotográficas, sino también sus trabajos teóricos, tienen una intención apelativa hacia los observadores de las imágenes, apela a una conciencia crítica, a la desconfianza crítica, contra la postura de verdad absoluta de cierta línea de concepción de la fotografía. Fontcuberta se autodenomina un escéptico, por lo que sus trabajos se basan en el cuestionamiento del concepto preestablecido que se tiene de la fotografía, el cual se asienta sobre la idea de reflejo fiel de la realidad. Fontcuberta analiza a artistas y autores que utilizan o utilizaron técnicas similares a las que él adscribe y los toma como referentes al momento de replantear la idea de la iconicidad de la fotografía. Así, algunos artistas que aparecen como referentes a lo largo de sus trabajos son Nancy Burson, Daniel Canogar, y un caso particular lo constituye el trabajo que cita en “La tribu que nunca existió”, sobre los tasaday, que tomó gran relevancia en el mundo científico, y mediante el cual se creó una “realidad ficticia”, a través del reportaje creado por John Launois. Sin embargo, es el propio Joan Fontcuberta, quien representa un referente para muchos artistas y teóricos contemporáneos.






HOTEL DE DISEÑO

SOHO ES SOFT & HOT (SUAVE Y CÁLIDO). DISEÑO, CONFORT, ARTE Y MODERNIDAD.

Para el trabajo de proyectos se nos pidió la transformación de una habitación de hotel, el hotel era el AC de Logroño, para este diseño de habitación y después de mirar unos cuantos hoteles, yo decidí inspirar en el hotel SOHO de Barcelona, me parecía un hotel muy completo y donde habían trabajado varios artistas. 



DISEÑO Y ARQUITECTURA

SOHO nace del acrónimo SOFT (suave) y HOT (cálido), representando una multiplicación de efectos y de estímulos que aparecen y desaparecen ante el propio huésped. Ambos (soft & hot) se manifiestan constantemente al visitante a través de un trasfondo de diseño, estilo y originalidad que lo convierten en el espacio ideal para parejas que espera algo más de su estancia en Barcelona.

El diseño del hotel se basa en la sencillez de líneas y en el contraste de estilos, donde los elementos retro compiten con la más absoluta modernidad. El negro es el color básico que envuelve todos los espacios internos y se mezcla con colores cálidos como el naranja o el rojo que se va declinando hasta el violeta.


ARTISTAS

El cuidado diseño del HOTEL SOHO marca una diferencia en el panorama hotelero de la ciudad, con un carácter cosmopolita y minimalista.

Las obras de arte se fusionan con la funcionalidad del hotel, permitiendo percibir sensaciones nuevas y entender conceptos a través del edificio y su interior. Muestra de todo esto es la fusión de las obras de distintos artistas que contribuyeron de distinta forma en el Hotel SOHO:


ALFREDO ARRIBAS

Fundador de AAAA (Alfredo Arribas Arquitectos Asociados), una sociedad dedicada tanto a proyectos arquitectónicos y urbanísticos como de interiorismo o diseño de mobiliario. Con su equipo ha proyectado también el B-Hotel para Núñez i Navarro.




FRANC ALEU

Artista visual, colaborador habitual de la Fura del Baus, es quien ha aportado su interpretación artística a las paredes del Hotel Soho. El visitante es absorbido por un contundente juego de paneles de metacrilato (reproducciones luminosas) que encarnan distintas partes del cuerpo en los que descubrir la forma de una mano, una oreja, una cara, un torso.






VERNER PANTON

Arquitecto y diseñador danés nacido en 1926. En los años 60 se convirtió en maestro y referente del estilo pop con sus revolucionarias creaciones que alcanzaban todo tipo de objetos relacionados con el diseño de interiores, la arquitectura y accesorios personales. Como inspiración del estilo pop, en el Hotel Soho encontraremos las siguientes obras de Verner Panton:
Wonderlamp pendant lamp Type H
Wonderlamp Type F
Spion & Panton Chair.




ETIENNE KRÄHENBÜHL

Escultor suizo que juega con la dualidad, la contradicción y los opuestos. Conceptos antagónicos en equilibrío: monumentalidad y ligereza, fragilidad y solidez, movimiento y quietud, sonido y silencio… Aplicando las leyes de la física más avanzada crea esculturas estéticamente bellas, musicalmente armoniosas y ópticamente desafiantes. En el Soho nos aguarda su escultura sonora:

Temps Suspendu Miroir (2007).


miércoles, 11 de enero de 2017

Eugenio Recuenco


Fotógrafo de Madrid, que trabaja principalmente en los campos de la edición y publicidad. Comparado con otros, su estilo personal ha sido referido como "cinematográfico" y "pictórico". 
Crea mundos fantasiosos, escenarios propios de un cuento de hadas cuidados hasta el más mínimo detalle, muy distinto al estilo de la fotografía comercial. Sus obras se caracterizan por el uso de colores pastel generalmente o la utilización de colores intensos para llamar la atención de ciertos elementos. 
Estudió la carrera de Bellas Artes en la universidad Complutense de Madrid con la intención de ser pintor, pero más tarde decidió dedicarse a la fotografía ya que pensaba que para hacer pintura eras o muy bueno o muy malo y que a él le quedaban muchos años para ser muy bueno, y se negaba a ser muy malo, así que deicidio que con la cámara era más rápida la causa-efecto de tener dinero en el bolsillo. La etapa de su formación artística se ve reflejada en sus obras haciendo referencias a la pintura des del estilo barroco al minimalismo, aún que también podemos encontrar muchas referencias en la cultura pop y en el cine.





Su trabajo ha aparecido en revistas de moda como Vogue. Además sus fotografías han sido expuestas en el museo Reina Sofía de Madrid. 










En 2007 le invitaron a crear el calendario de Lavazza y desde los estados unidos junto con Eric Dover hizo la escenografía y puesta en escena de la ópera Les Hugueunots, en el Richard B Fisher Center en Nueva York.


http://eugeniorecuenco.com/exhibition/


París se convirtió en la ciudad que estableció su ritmo, fue allí donde creo su primer spot publicitario de Nina Ricci. Esta oportunidad le abrió un amplio abanico de oportunidades con otras marcas como Loewe, Freixenet, Mango, Codorniu, Chivas Regal, Regione Campania, Vanderbit y Motorola entre otras.




En 2008 su vídeo "Essence of Seduction", ganó el premio al mejor anuncio del año en España.






En 2011 proyecto su película 88:88 y Deseo en el Festival de Peliculas de Moda ASVOFF en el CaixaForum de Barcelona.

En 2012 presento en el Festival de Cine Internacional de San Francisco su película "Pure Beauty".

En 2013 fue TeNeus quien lo llamó para hacer su primer libro "Revue" que coincidió con una exposición individual en la exhibición Camera Work Gallery en Berlin en Septiembre de este mismo año.

En 2004 ganó el premio ABC national photography, en 2009 ganó el oro y el bronce en el Sol Festival, y en 2006 y 2013 sus fotografias ganaron el oro en el Cannes Lions Festival.

jueves, 10 de noviembre de 2016

4 restaurantes del mundo cuyo diseño interior crea una atmósfera inolvidable.


El diseño interior es imprescindible para crear atmósferas, por ello los restaurantes y las cafeterías muchas veces se esmeran en ofrecer además de calidad en sus productos, una experiencia de usuario que los haga regresar a su negocio.

Los pequeños detalles en el diseño interior, la creatividad y los conceptos poco convencionales son los que hacen destacar un espacio de los demás, en esta ocasión se presentan cuatro restaurantes cuyo diseño interior crea atmósferas inigualables para los comensales, y que además sirven de inspiración para otros interioristas.


1. OPSORESTAURNAT


K-Studio References, Londres


En plena ciudad de Londres es posible vivir tal como si se estuviera en Grecia, ya que este restaurante tiene un diseño interior que fusiona adecuadamente el estilo griego y el londinense.

Una infraestructura de acero corre a través de este restaurante que comunica su filosofía: inspiración griega hecha en Londres.

El mostrador forma una barra de café al frente del espacio y lo transforma en un comedor más al fondo.





2. TOKYO CAFE INTERIOR


Cut Architects, París


Los elementos base en el diseño interior de esta cafetería son su techo lacrado en banco, las plantas bajo las líneas de luz y las superficies de cerámica blanca. 

Toda esta parafernalia es la que le da a esta café en Tokio un aspecto diferente que lo distingue de otras cafeterías, sobre todo por la sensación de limpieza que da este espacio que es a su vez una mezcla de una cafetería parisina y un laboratorio.




3. CAFE KI


ID, Tokio


Esta cafetería cuenta con gráficos y productos diseñados a base de la inspiración de los árboles. El espacio monocromático y los polos de acero negro que asemejan las ramas de los árboles son un detalle que hace único este lugar.

El detalle de un piso de madera también ayuda a que el diseño interior de este restaurante minimalista en blanco y negro ofrezca a sus visitantes una experiencia única.




4. RESTAURANT & BAR NAZDROWJE


Richard Lindvall, Estocolmo


El diseñador sueco Richard Lindvall convirtió un estacionamiento cerca de Estocolmo en un restaurante y centro nocturno con pipas de cobre en sus paredes y el techo.

Este restaurante cuyo concepto es la comida polaca fue diseñado a partir de la visita a varias fábricas en Polonia, para encontrar inspiración para el proyecto que parte de una idea no convencional, ya que cambia los muebles cómodos y suaves por materiales rústicos que den la percepción de encontrarse en un entorno industrial.